Alfadisco # 8 – gennaio 2019

Paolo Carradori

QUARTETTO MAURICE

4+1” (Stradivarius)

Quartetto d’archi + elettronica. 4+1. Composizioni che trasmettono un alto grado di elaborazione compositiva sul piano sonoro e della forma che, pensate per quel laboratorio di straordinaria duttilità che è il quartetto d’archi, esplodono. L’elettronica, con un peso specifico diverso nelle singole tracce, non si sovrappone, né fa da neutro sfondo ma entra con forza nella trama strumentale suscitando suggestioni di grande fascino. L’apertura non poteva essere migliore: la scoperta di un altro capolavoro di Fausto Romitelli Natura morta con fiamme (1991). Il glissare nervoso delle corde emerge sontuoso e inquietante da uno spazio dove pullulano misteri e fantasmi. Le corde provano a raccontare ma vengono come travolte, a loro volta coinvolte in una rincorsa a perdifiato verso il nulla. Mauro Lanza dedica il suo The 1987 Max Headroom Brodcast Incident (2017) alla memoria di Romitelli. Qui la trama si espande a strappi, voci enigmatiche, interferenze elettriche, solitudini urbane: le visioni del compositore goriziano vengono dilatate a dismisura, il quartetto quasi scompare. Riappare con tutta la propria energia in Legno sabbia vetro cenere (2009-10) di Andrea Agostini dove il dialogo a quattro si fa prima spasmodico per poi evaporare in un panorama nordico colmo di silenzi graffiati da sussulti e vibrazioni. Chiude Earwitness (familiar 2) (2017) di Silvia Borzelli che sviluppa una tensione magica e costante, costruzione intorno alla quale si aggrappano intrusioni quotidiane, voci deformate, pulviscolo sonoro, nell’irrequieto dialogo delle corde. Grande disco, lampo di luce sulla contemporanea che il Quartetto Maurice accende con una sfavillante e appassionata lettura.

Quartetto Maurice: Georgia Privitera violin – Laura Bertolino violin – Francesco Vernero viola – Aline Privitera cello

TERRY RILEY

THE PALMIAN CHORD RYDDLE -

AT THE ROYAL MAJESTIC” (Naxos)

Commissionata dalla Nashville Symphony The Palmian Chord Ryddle (2011) conferma le recenti fascinazioni di Riley verso la forma concerto, il coinvolgimento dell’orchestra sinfonica, come già espresso con “SolTierraLuna” del 2007 e “Zephir” (2009). Il violino a sei corde amplificato di Tracy Silverman percorre gli otto movimenti come voce narrante di struggente talento. Il lavoro è stratificato e fa riferimento alla composita cultura di Riley: l’oriente con le melodie dei raga e le scale della musica classica indiana, il blues, il charleston degli anni ’30 (nel brano dedicato ai genitori), suggestivi impasti pastello nell’immaginifico For Maresa, la cultura andalusa in Iberia. Ambienti, colori e ritmi accostati a volte con qualche meccanicità ma sempre in un ampio respiro creativo. Meno convincente At the Royal Majestic dove l’organo, tra accenni gospel, block chords politonali, ragtime e walzer, rimane scuro e su bordoni rigidi lontano dall’orchestra. Visionario il finale Circling Kailash dove un Riley mistico racconta il pellegrinaggio verso il monte Kailash in Tibet, dove si ritiene che viva la divinità hindu Shiva.

Tracy Silverman electric violin – Todd Wilson organ – Nashville Symphony / Giancarlo Guerrero

MARCO COLONNA

PLAYNG COLTRANE” (Manza Nera Label)

Tutto è atipico in questo cd di Colonna, la confezione cartonata 20x20 cm., l’edizione limitata e numerata, il blue intenso della foto di copertina di Alessandro Lisci, ma soprattutto il contenuto, l’esigenza di affrontare con i clarinetti capolavori del repertorio coltraniano (più qualche sconfinamento). Sono anni che il musicista romano espone talento e visioni in un turbinio di progetti ma la scelta Coltrane è tra le più rischiose. Dopo l’ascolto si potrebbe dire che Colonna esplora il genio del sassofonista americano come mezzo di autoanalisi, conoscenza di sé. Una immersione profonda, complessa la sua, che nei limiti della scelta strumentale rilegge temerariamente la ribellione sonora coltraniana sia sul piano tecnico che del linguaggio (lo smussamento di elementi blues a favore di colori mediterranei, per esempio). Ma ciò che interessa Colonna è più l’aspetto mistico, lo spiritualismo, quel senso di purezza e serenità che traspare in My Favorite Things - nata da una melodia a tempo di valzer – e, con un processo speculare, anche in Summertime – innocua ninna nanna di Gershwin - che trasfigurano in danze modali dal fascino inquieto e illimitato. Il tentativo di applicare la logica del Maestro nel risignificare la forma canzone affrontando Sennò me Moro di Gabriella Ferri risulta invece alquanto fragile. È con il breve Children di Ayler, sassofonista non proprio vicino alla sua sensibilità, che Colonna esprime probabilmente, in un lirismo estremo e commovente, il momento più alto di un lavoro che merita una grande attenzione.

Marco Colonna clarinetto, clarinetto basso

STEFANO SCODANIBBIO

ALISEI” (Ecm)

Se esistesse il luogo dei cd necessari, “Alisei” starebbe tra i primi posti. Sì, perché se tutti ricordiamo Scodanibbio - scomparso nel 2012 a soli 55anni - come sopraffino contrabbassista e agitatore culturale la figura del compositore è rimasta più velata. Queste registrazioni rendono pieno merito alla sua straordinaria capacità creativa e visionaria sempre indirizzata verso il proprio strumento in organici numericamente variabili, dal solo all’ottetto. Daniele Roccato, che con Scodanibbio ha condiviso idee e sogni degli ultimi anni e con lui fondato l’ensemble Ludus Gravis, seleziona quattro composizioni che vanno dal 1985 al 2011. Lavori che con approcci diversi trasfigurano il contrabbasso in un caleidoscopio di suoni, umori, colori, materia viva e pulsante. Ottetto (2011) si snoda in mezz’ora di stratificazioni, incastri sonori inquieti, fantasmi che vagano, accumulazione di tensioni, dialoghi e scontri. In Due pezzi brillanti (1985) e Alisei (1986) Roccato sottolinea con maestria, suono profondo e agile, la filigrana compositiva sempre tesa alla ricerca di un qualcosa che non sia ripetizione, luogo comune. Complessità che sviluppa in Da una certa nebbia (2002) per due contrabbassi (affiancato da Giacomo Piermatti), un panorama sottovoce, quasi fermo, angosciante.

Daniele Roccato double bass – Giacomo Piermatti double bass – Ludus Gravis double bass ensemble – Tonino Battista conductor

BEPPE SCARDINO

BS10 LIVE IN PISA” (Auand)

Scardino sa bene che sommare dieci talenti non garantisce un gran disco, con questa convinzione lavora su una scrittura rigorosa, agile, piena di fascino negli impasti delle voci, equilibrando spazi liberi da offrire alle variegate e notevoli personalità della band. Il risultato è un gran disco. Una musica che possiede un retrogusto stilistico/culturale riconoscibile mai usato però come formula statica ma come elemento moltiplicatore, propulsore di continue invenzioni sonore. Gil Evans evocato su tutti, con i suoi scenari impressionisti e armonie sofisticate, ma anche arditezze del Davis elettrico, le geniali ironie dell’Instant Composer Pool come gli schizzi astratti dell’Italian Instabile Orchestra. Questa materia pulsante intensa, profonda e scomponibile che sta sullo sfondo permette a tutti gli elementi di ritagliarsi squarci solistici di straordinaria efficacia creativa. Scardino non solo si conferma eccellente strumentista ma anche compositore, organizzatore di suoni di gran classe. Anche arrangiatore visionario quando nell’ultima traccia Giant Steps, coraggiosamente smonta e ricompone la giovanile rivolta sonora coltraniana in un quadro di commovente, tormentosa contemporaneità. Un disco che scalda il cuore.

Beppe Scardino baritone sax, bass clarinet – Dan Kinzelman tenor sax, bass clarinet, Piero Bittolo Bon alto sax, bass clarinet – Mirko Cisilino trumpet – Mirco Rubegni trumpet – Glauco Benedetti tuba – Gabrio Baldacci guitar – Simone Graziano fender rhodes, synth – Gabriele Evangelista double bass – Daniele Paoletti drums, electronics

FEDERICA MICHISANTI HORN TRIO

SILENT RIDES” (Filibusta Records)

La Michisanti è una musicista irrefrenabile, dalle idee chiare e coraggiose, con questo lavoro si conferma strumentista e compositrice di valore, esponendo maturità e notevole personalità. In “Silent Rides” con un avventuroso, inusuale incastro strumentale paritario (tromba, sax e contrabbasso) dipana una suite avvincente, attraverso scenari ritmici, lirici, melodici, liberissimi e contemporanei. La affiancano e condividono pienamente questo percorso le ance di Bigoni, con la riconosciuta capacità e ricchezza interpretativa che spazia dai classici ai linguaggi più innovativi e introspettivi. E la tromba di Lento che dell’ultima generazione di trombettisti è tra i più sensibili ed espressivi, con chiare fascinazioni verso Cherry e Davis. Il contrabbasso della Michisanti rilegge le pulsioni ornettiane di Izenzon e Haden, l’eleganza e la densità di Holland, sempre dentro una personalissima cifra poetica. L’intrigante gioco polifonico della formazione esteso in molti brani sviluppa un alto tasso di piacevole estraneazione, free da camera. La rotazione dei soli che i tre disseminano con lirismo, astratto senso della forma su tutte le tracce rendono “Silent Rides” tra i lavori di più accattivanti, originali e aperti degli ultimi tempi.

Francesco Bigoni tenor sax & clarinet – Francesco Lento trumpet & flugelhorn – Federica Michisanti double bass

RICCARDO ONORI

SONORISTAN” (Black Candy Records)

Non si può non avere simpatia d’acchito per un cd che recita nelle note…Sonoristan è un Paese che non c’è, un paese dove ogni persona può entrare senza permesso di soggiorno. Benvenuti…Dichiarazione di intenti inequivocabilmente politici e attualissima del chitarrista storico di Jovanotti al primo album da solista che introduce un lavoro piacevole nel miscuglio, collage vitale di musiche del mondo. Colori e ritmi non come evocazione esotico turistica ma racconto di storie, di luoghi e uomini. Come in una autobiografia sonora Onori mette in gioco la propria storia musicale, dalle clinics giovanili con Metheny, Abercrombie, Frisell alle collaborazioni più svariate, Diaframma, Gezz Zero Group, Dirotta su Cuba, Irene Grandi, Stefano Bollani eccetera fino a Lorenzo Cherubini. Musicista apertissimo ai linguaggi in “Sonoristan” la sua chitarra preziosa mai invadente sviluppa idee e composizioni in un percorso mosso zeppo di fascinazioni per Africa, America del Sud, sapori mediterranei e ritmi afrobeat. Lo affiancano musicisti che sanno garantirli un pregevole livello di complicità creativa, provenienti da ambito jazzistico, etnico, pop…Sonoristan, il paese dove vorremmo vivere.

Riccardo Onori chitarra elettrica/acustica, programmazione – Filippo Guerrieri/Franco Santernecchi tastiere – Stefano Tamborrino batteria, percussioni – Dimitri Espinoza sax – Mirko Rubegni tromba – Francesco Cangi trombone – Dan Kinzelman clarinetto, clarinetto basso – Sabina Sciubba voce – Gianluca Petrella trombone, tastiere – Hindi Zahara voce – Ahmed Ag Keady voce, chitarra acustica – Roberto Migoni batteria, percussioni – Ziad Trambelsi voce, oud – Grintv voce – Ruben Chaviano violino, voce – Mohamed Azizi voce, chitarra elettrica – Mudimbi voce

Terry Riley

Mario Gamba

Se è un declino non è cominciato oggi. Questo Terry Riley non esalta. Nel momento in cui si ascoltano sue musiche nuove o relativamente recenti viene da pensare che sia stato un grande, ma proprio un grande, solo per un breve tempo e per pochi lavori: il notissimo In C, quasi un manifesto, i meno noti e altrettanto pregevoli Keyboard Studies, il più volte manipolato Tread on the Trail. Anno 1964 i primi due, 1965 il terzo.

Il meglio degli States negli infiniti ’60 (nel senso che il loro apporto lo sentiamo oggi e non si sa quando smetteremo di sentirlo). Riley ha sempre attribuito a La Monte Young l’«invenzione» del minimalismo in musica, che poi è quell’idea di prendere un nucleo piccolo di suoni e ripeterlo moltissime volte, con altri nuclei che si intrecciano o senza, con slittamenti di accenti o senza. Tracce di India o Indonesia ed empatia fortissima con l’anima meccanica della metropoli, estasi e frenesia. In C e gli Studies: esemplari. Non sarà stato il primo, Riley, come diceva lui, ma han preso tutti da lì, alcuni molto bene come Philip Glass e Steve Reich.

A differenza dei suoi colleghi o continuatori, almeno per quanto riguarda la prima stagione della loro produzione, Riley ha mostrato ben presto una propensione a inserire nella piattaforma di suoni iterativi linee melodiche abbastanza estese e a curare sviluppi «narrativi», o meglio «divaganti», delle composizioni. Per una parte questo derivava dall’adesione più ampia, rispetto agli altri autori minimalisti, al raga indiano, con i suoi processi erratici sulle scale e l’uso di materiali melodici non elementari. Per un’altra parte, forse più consistente, Riley ha lasciato scorrere nelle sue musiche un cordiale amore per le tinte jazz e per quelle del ‘700 e ‘800 europeo «dotto», però in salsa popular.

Si ritrova qualcosa del genere nel duetto con John Cale Church of Anthrax (1970, dove ci sono pure tinte rock) o nella colonna sonora per il film Le secret de la vie di Akexander Whitelaw (1974). Se saltiamo agli anni ’80 la metamorfosi è compiuta. Cadenza On The Night Plain, scritta nel 1984 e affidata per il debutto all’emergente e poi trionfante Kronos Quartet, è appunto un quartetto per archi classico, ben fatto, ricco di suggestioni, sentimentale ma con giudizio. Procedimenti ripetitivi ormai pochi o nulli. Una bella composizione classico-moderna. Della radicalità degli esordi nemmeno il ricordo. Ci si comincia a chiedere: che ce ne facciamo della musica di Terry Riley?

Ce lo si chiede anche la sera della prima mondiale di Organum for Stefano (un Requiem in memoria di Scodanibbio) nella Basilica di Santa Maria dei Servi a Bologna per l’edizione 2013 di AngelicA Festival, la prestigiosa rassegna di musiche extravaganti di cui è direttore artistico Massimo Simonini. L’organo elettrico Terry Riley l’ha suonato tante volte, agli inizi della carriera in special modo. In A Rainbow in Curved Air (1969) e in Persian Surgery Dervishes (1972), per esempio, musiche sognanti e danzanti, nobili, mica fuffa, musiche da sballo pigro-intenso con cannabis, tra scrittura e improvvisazione. Ripetitive ma sfumate, senza ossessione, con dolci modulazioni in melodie orientali e pop e classiche-romantiche.

Ma l’organo vero e proprio, quello della Toccata e Fuga in re minore di Bach, per dire, e delle cattedrali cristiane, è un’altra storia. Lo sa, Terry Riley. E gli pesa. Fin dalle prime battute. Leggerezza, addio. Subito accordoni solenni, pesantissimi. Musica osservante della tradizione timbrica dello strumento per come è usato in chiesa. Che la struttura sia quella del raga indiano (con qualche vocalizzo di maniera, orientale ma «d’importazione») conta poco. La sostanza sono melodie che si attorcigliano e tornano a confluire in un gorgo che le assorbe, e i pochi respiri di «soluzioni» in blues sono gli unici ristori.

La sera dopo, in un’altra chiesa bolognese (AngelicA Festival è in cerca di luoghi diversi in città, ma quest’anno ben dieci concerti su quindici sono in chiesa…), il Santuario del Corpus Domini di Santa Caterina, Riley è presente solo come autore di Chanting the Light of Foresight (1987) per quartetto di sassofoni. Si ascolta in pubblico per la prima volta in Italia. I virtuosi svizzeri e tedeschi dell’ARTE Quartett (davvero splendidi) sono gli interpreti. Sei movimenti molto diversi tra loro.

Si passa da una musica giocata mirabilmente sui suoni unici tenuti in atmosfera di raccoglimento morbido agli unisoni fortemente drammatici che ricordano il suono d’organo e rimandano alla musica antica (addirittura al gregoriano?). Da un episodio struggente di ballata con venature blues che a un certo punto fa venire in mente certi lavori di John Surman a una sorta di mandala sonoro molto complesso. Da un episodio decisamente free e rumorista (è stato elaborato dal Rova Saxophone Quartet ed inserito di comune accordo nell’opera di Riley) a un finale di sapore gershwiniano.

Musiche di Terry Riley
AngelicA Festival
, Bologna

7/8 maggio 2013

Omaggio a Scodanibbio

Mario Gamba

«Sauvagerie totale, orizzonti dischiusi. Manualità fuori da ogni ordine precostituito. Musica come maniera di esistere accettando il disordine linguistico e il disorientamento esistenziale. Perturbati». Vale la pena riportare una piccola parte delle note che Stefano Scodanibbio ha scritto per accompagnare l’uscita nel 2011, un anno prima della morte (a soli 55 anni), del suo Ottetto per contrabbassi. Si capisce che gran tipo era questo compositore. Cultura, apertura mentale, raffinata spregiudicatezza nient’affatto comuni nell’ambiente musicale. Otto grandi corpi sonori animati dall’ensemble Ludus Gravis.

Belli gli strumentisti con le loro camicie rosse fiammanti sul palco del Teatro Lauro Rossi. Diretti da Tonino Battista, suonano questo lungo brano meraviglioso in chiusura della Rassegna di Nuova Musica di Macerata, 31ª edizione. Un «mistero» laico. Angoscia, tribalismo, sogno di altri mondi. Una pulsazione sotterranea che solo a tratti diventa esplicita ma che sorregge tutto il lavoro, un po’ come accade nel Sacre di Stravinskij.

Tanti suoni «stirati» e tanti suoni pizzicati in alternanza. Modifiche violente dei registri e dei canoni tradizionali degli strumenti, con corde bloccate per ottenere glissando scabri. L’incanto della perdizione estrema e la cordialità scapestrata di certo Scodanibbio jazzofilo. È una mirabile costruzione a incastri (la «specialità» di Scodanibbio) che esalta come parti differenti le parti mono-timbriche degli strumenti. Ci sono momenti rumoristici-percussivi delicati stralunati del gruppo unito, ci sono passaggi danzanti leggeri di alcuni in cui si inseriscono suoni persino lugubri di altri dell’ensemble. Brano «a nervi scoperti». Accolto con entusiasmo tipo loggione dal pubblico folto che ha seguito il festival in tutte e tre le serate. Festival interamente dedicato alle composizioni di Scodanibbio.

Ancora una volta il gioco degli incastri di frammenti sonori, delle linee melodiche che appaiono e scompaiono, che vengono accennate e integrate da altre linee in un disteso, limpido scorrere di sovrapposizioni discorsive. È ciò che si ammira e si gode all’ascolto di Vanishing Places per dodici archi, uno dei migliori lavori di riscrittura - ma è del tutto logico dire reinvenzione - di Scodanibbio. Su una serie di madrigali di Claudio Monteverdi. Risale al 2006-2007 ed è un ampliamento del quartetto per archi Mas lugares del 2003. Atmosfera di malinconia con questi timbri uniformi, con i lievi dialoghi, gli accenni di fugato, i motivi languidi che spuntano e si nascondono. I solisti dell’Orchestra Marchigiana diretti da Yoichi Sugiyama sono un po’ lontani mentalmente, non tecnicamente, da questo prodigio di attualità pensata a partire da un’antica civiltà musicale.

Volete di nuovo i timbri unici messi in gioco in un collettivo? Ecco Plaza per quattro trombe (2002), un motivo che entra in scena e ritorna più volte con un morbido scorrimento (lo stesso criterio con cui procede Geografia amorosa per contrabbasso e live electronics del 1994, interpretato grandiosamente da Giacomo Piermatti). Si pensa alla musica per ottoni di Giovanni Gabrieli e si pensa all’aura del primo atonalismo. In buona sintonia i quattro strumentisti dell’Orchestra Marchigiana, che suonano dai palchi dell’ultimo settore del teatro con Sugiyama solo al proscenio a dirigerli.

Ed ecco Lucida sidera (2004) per quartetto di sassofoni, stesso principio ideativo-compositivo ma meno abbandono. Impeccabili gli Alea, il cui leader è Gianpaolo Antongirolami. Ancora strumenti della stessa famiglia per il quartetto d’archi a cui sono affidate le Reinventions (questo il titolo del recentissimo cd Ecm, in originale non c’è un titolo complessivo), vale a dire riscritture di brani dall’Arte della fuga di Bach e di canzoni popolari spagnole e messicane, lavori scritti tra il 2004 e il 2009. Il quartetto Prometeo, gruppo in forte ascesa anche sul mercato internazionale, fa un figurone.

Anche un principe del flauto come Manuel Zurria e un principe della danza come Virgilio Sieni sono della partita. Insieme in Voyage resumed (2005) e Ritorno a Cartagena (2001), musiche di rigorosi struggimenti, e si assiste a una sbalorditiva invenzione di movimenti del corpo nello spazio, il corpo di Sieni, in celebrazione ed elusione nello stesso tempo dell’astratto e del realistico.

Zurria è solo nel semplice, commovente D’improvviso in una notte di maggio (1980), ritrovato e proposto per la prima volta in Italia da un festival di cui Scodanibbio è stato fondatore e a lungo direttore artistico. Sorprendente il brano per pianoforte solo che Fausto Bongelli, ottimo interprete di se stesso, ha ricavato da Labore navigacionis (2007-2011) per due pianoforti. Come una Sonata da primo ‘900 non radicale, ricco di classiche tempeste sonore, davvero fascinoso e convincente soltanto in certi passaggi di accordi spettrali che ci dicono: l’espressionismo è qui.

31ª Rassegna di Nuova Musica
Omaggio a Stefano Scodanibbio
15,16,17 aprile, 12 maggio 2013
Teatro Lauro Rossi, Macerata

absolument moderne

Mario Gamba

Otto contrabbassisti che formano un semicerchio sul palco del Teatro Lauro Rossi di Macerata. Suonano una improvvisazione concertata, così dice il programma. Significa che l’improvvisazione di gruppo ha un coordinatore, forse un ideatore degli itinerari da seguire. In questo caso è Julio Estrada, compositore messicano. Vari nell’ensemble omogeneo usano il doppio archetto. Non sono suoni comuni, nel senso di ortodossi, sono suoni della nuova costituzione materiale della musica: oltre ogni registro, per vivere l’instabilità e la sorpresa, con giudizio o senza. Qui con molto giudizio, molto progetto, molta connessione di menti e cuori. I glissando e gli sfrigolii in pianissimo si raccolgono e accavallano e dis-armonizzano.

C’è un crescendo che si costituisce in blocchi sonori. Blocchi sonori compositi, sfrangiati, molecolari: quadri informali ma a loro modo compatti. Rara bellezza timbrica di queste combinazioni in un procedere che ha molto di drammatico e anche qualcosa di ieratico. Il mondo del microtonale è esplorato fin nei più nascosti angoli, il padre Ligeti viene evocato ma bisogna pur ucciderlo, no? (Massimo Recalcati permettendo). Bellezza di un sapientissimo e ispiratissimo uso del concetto di «monocromo mosso»: sovracuti rumoristi e bassi cavernosi, tutto con una unitarietà curiosa, specie in una improvvisazione (preparata, si sa, con almeno dieci giorni di training), forse una vera comunanza di intenti creativi.

Il finale è teatrale e riserva commozione/rimpianto. Uno alla volta i solisti vengono al proscenio e suonano l’aria con colpi ritmati diversificati di archetto. Poi depositano l’archetto a terra. Vediamo il formarsi di un cumulo di archetti. Sul quale, da ultimo, Estrada pone un piccolo foglio di carta, forse un appunto, uno schizzo di musica, non si sa. E si capisce che cos’è quest’opera istantanea meditata: un omaggio alla memoria di Stefano Scodanibbio, morto giovane, crudelmente, a Cuernavaca, Messico, l’8 gennaio scorso.

Scodanibbio è il fondatore della Rassegna di Nuova Musica. Quest’anno a Macerata è il trentennale del festival e l’edizione è intitolata Ex tempore/Superscriptio II. Il programma, con un classico del ‘900 radicale e una improvvisazione concertata per ciascuna delle quattro serate, è firmato Scodanibbio. Lui stesso contrabbassista celebre oltre che compositore. Uno dei classici radicali - ma non diventerà classico museale nemmeno per decreto del gabinetto Monti - è John Cage. Il secondo e il terzo libro di Music of Changes (1951) vengono presi in consegna dal pianista Ciro Longobardi. Per capire se aprono ancora la mente. La risposta è sì. Caro Cage! Amabile e giocoso con qualche ricordo di Webern. Il puntillismo c’è, i suoni isolati ci sono, ma assimilati a un qualcosa di tonale, viene da dire, una successione come in una canzone mai sentita, difficile spiegarlo. Una conversazione di suoni che vagano con una grazia da piano-bar.

Esplosiva, mobile, teatralissima e infine misterica un’altra delle improvvisazioni concertate. A cura di Vinko Globokar abbiamo proprio il rito conclusivo che ci voleva. Entra per primo, sull’angolo sinistro del palco, tutto vuoto, l’immenso trombonista Sebi Tramontana. Con lo strumento e con la voce, con i suoni ingovernabili della voce e dello strumento che si confondono in una ambiguità sardonica fenomenale. Tra parentesi il set sarà un po’ la festa del trombone: tre nell’organico previsto (uno suonato da Globokar), oltre a due contrabbassi, un violoncello, un pianoforte e uno scarno assetto di percussioni. Finito il suo «numero» Tramontana se ne va. Lo stesso fanno i solisti che lo seguono. Ognuno col suo guizzo d’ingegno momentaneo. «Scrivono» all’istante una partitura che non esiste nella quale, in tutta la prima parte, la sostanza è la parata delle singolarità.

Quando tocca di nuovo a Tramontana e sembra riprendere il girotondo (schnitzleriano?), la durata dei «numeri» si accorcia e le entrate dei solisti successivi vengono anticipate, sino a quando accade che si trovano tutti presenti contemporaneamente. Ora c’è l’improvvisazione collettiva come ai tempi di Coltrane-Shepp-Ayler-Dixon e di Bailey-Parker-Bennink (e come ai tempi di New Orleans). Inutile negare che ammiriamo in particolare, soggiogati, la potenza dell’emissione di Globokar, la varietà del suo discorso di sabotatore sublime, oltraggioso e coraggioso. Si miscelano pizzicati ritmici e ostinati degli archi (Roccato, Giacomo Piermatti e Francesco Dillon), squarci tayloriani del pianoforte (Longobardi), esercizi avantgarde e languori del terzo trombone (Filippo Vignato), essenze metalliche delle percussioni (Enrico Malatesta). L’opera si conclude fuori scena, si allontana, evade dal suo recinto. I musicisti sono spariti e si sentono in qualche posto che non è la sala. Suoni a mezza voce, sovrapposti, liberi, confusi, borbottanti, accattivanti, disperati. È la «generazione perduta» che si ritrova, che cerca di ritrovarsi. O, più semplicemente, è un altro saluto a Stefano che non c’è più.

IL FESTIVAL
Rassegna di Nuova Musica
Macerata, Teatro Lauro Rossi
27/28/29/febbraio/1 marzo 2012

Approfondimenti a: Sai che ti dico: che agli intellettuali italiani la musica non interessa per niente

Mario Gamba

Vedere il pensiero nella musica d'oggi. Vederci le idee che confliggono. Sembra la cosa più difficile da fare per i più noti intellettuali italiani. E poi: basta col ritornello che la musica radicale del ventesimo e ventunesimo secolo è difficile! Oppure che è tediosa! Una piccola rassegna di opere (con video) firmate Anthony Braxton, Karlheinz Stockhausen, Fausto Romitelli, John Cage, Francesco Cusa, Mauricio Kagel, Edoardo Sanguineti-Stefano Scodanibbio può servire a smontare questi luoghi comuni.

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Nuova Musica a Macerata

Paolo Tarsi

Se è vero che nel dopoguerra l’avanguardia musicale ha fatto tabula rasa del passato elaborando categorie di pensiero forgiate su linguaggi musicali dettati perlopiù da un piglio fin troppo spesso ideologico, la generazione di compositori di cui Fausto Romitelli ha fatto parte ha cercato di ritrovare, invece, un’efficacia percettiva a partire da un forte impatto comunicativo. Ed ecco che sono sorti nuovi codici, stabilite nuove password, sdoganate nuove immagini sonore, con un’eredità storica passata al setaccio e rilegata sempre più sullo sfondo.

Ed è proprio alla figura di Fausto Romitelli e alla scuola spettrale che è stata dedicata la trentaduesima edizione della Rassegna di Nuova Musica di Macerata, la manifestazione fondata nel 1983 da Stefano Scodanibbio e curata dalla scorsa edizione da Gianluca Gentili (di cui è possibile trovare una bella testimonianza in Absolument Moderne, libro + CD, ed. Quodlibet), che come di consueto ha visto riempirsi il teatro Lauro Rossi nelle sue tre serate (venerdì 4, sabato 5 e domenica 6 aprile).

Sono passati dieci anni dalla scomparsa di Romitelli. Nel frattempo il compositore è divenuto una figura di culto e sono lontani – per fortuna – i tempi in cui l’Italia lo ignorava. Scritto tra il 1998 e il 2000, il suo Professor Bad Trip: Lessons I-III (il titolo originale di questa trilogia era Zero tolerance for silence) trae spunto dalla lettura delle opere di Henri Michaux annotate sotto l’effetto della mescalina e al tempo stesso contiene in sé un omaggio all’artista Gianluca Lerici (è lui a celarsi, infatti, sotto le sembianze del ‘prof. Bad Trip’).

Nel trittico si ritrovano legati intimamente tra loro la cultura psichedelica degli anni 60-70 e l’universo techno di oggi, l’idea della trance, della possessione, dell’uscita da sé. Musica enigmatica, che non ha bisogno di essere “capita” perché il suo unico scopo è, citando Barthes, “inesprimere l’esprimibile”, violenta nel suo riflettere l’alienazione di massa e il processo di normalizzazione che ci avviluppa.

Così come Francis Bacon aveva lavorato su Guernica e sugli ultimi lavori di Picasso prima di elaborare finalmente un linguaggio del tutto personale, per forgiare il suo mondo musicale Romitelli si è nutrito di influenze molto diverse tra loro, sia d’estrazione colta che d’area “pop”. Rock e spettralismo, questa la formula del fiore. E lo sanno bene i musicisti dell’ensemble Alter Ego diretti da Tonino Battista che ci regalano una versione di Bad Trip ricca di spessore, grana, spazi sonori (grazie anche alla quadrifonia presente in sala), realizzata in una maniera molto energica e tuttavia fine, con soluzioni ricche di inventiva (la musica di Romitelli sembra caratterizzarsi proprio per il suo lasciarsi forgiare dalle mani dei suoi interpreti in maniera del tutto plastica, dando risalto ora a un aspetto piuttosto che a un altro dettaglio della partitura).

Nelle due cadenze, poi, il violoncello di Francesco Dillon si fa sporco, ruvido, distorto alla Hendrix, totalmente in linea con l’idea romitelliana di comporre il suono (piuttosto che comporre con i suoni). Magnifica l’interpretazione di Natura morta con fiamme (1991) del Quartetto Maurice (Georgia Privitera e Laura Bertolino, violini, Federico Mazzucco, viola, Aline Privitera, Violoncello) dove l’accostamento degli archi all’elettronica si fa abrasivo, non meno dell’interpretazione che dà Luca Nostro al brano per chitarra elettrica Trash TV Trance (2002) a cui si affiancano le due Domeniche alla periferia dell’impero (la seconda delle quali contiene in filigrana una citazione della pinkfloydiana Interstellar Overdrive) eseguite magistralmente dall’ensemble Alter Ego.

Accanto alla musica di Romitelli colpiscono positivamente soprattutto le opere di Tristan Murail (Treize couleurs du soleil couchant, 1978, per cinque strumenti ed elettronica) e Kaija Saariaho (Cendres, 1998, per flauto, pianoforte e violoncello), ma anche il Gérard Grisey di Anubis et Nout (1983/90) ben eseguito da Gianpaolo Antongirolami al sassofono basso. Una riflessione a parte merita il compositore austriaco Georg Friedrich Haas. Se da un lato il suo Finale (2004) per flauto solo ha un taglio decisamente scolastico, risulta più convincente In iij. Noct. (2001), il terzo dei suoi quartetti per archi, da eseguire (e ascoltare) nel buio più completo.

Al brano, che può variare notevolmente in lunghezza e che ad ogni esecuzione risulta essere sempre diverso, è dedicata la serata finale della rassegna, con i musicisti dislocati ai quattro angoli del palco, mentre il pubblico siede al centro tra di loro. Il pezzo inizia con scambi fra gli strumenti, giochi di echi che si evolvono in sezioni che contengono pizzicati, glissando, botta e risposta vari che includono tecniche estese e la citazione di un corale di Gesualdo, per svilupparsi poi attraverso una serie di ‘inviti’ che gli esecutori si inoltrano a vicenda lanciando un motivo mentre gli altri possono scegliere se ‘accettare’ e sviluppare i diversi frammenti. Ma anche qui il fluire delle idee arrivati a un certo punto si blocca e il risultato sonoro nel suo insieme, quello che va oltre l’happening di una performance nell’oscurità, ne fa le spese.