Quando il sole splende sul Canada. Kanata, épisode I – La Controverse

Maia Giacobbe Borelli

L’ultimo spettacolo di Robert Lepage, che ha debuttato il 15 dicembre 2018 ma ha iniziato il suo percorso nel 2014, vuole ritracciare la storia degli ultimi 200 anni del Canada, il declino delle condizioni sociali dei nativi amerindi, l’introduzione delle droghe, l’emarginazione, inserendo elementi diversi dai cliché fissati da chi questi posti li ha governati (e li governa ancora).

La parola Kanata, poi divenuta Canada, in Iroqui significa “villaggio”, ma di quale villaggio si tratti, in fondo per lo spettacolo non importa. È la storia di un qualsiasi luogo del pianeta, tanto la tematica si rivela profondamente universale. Vi troviamo la questione dell’identità, della dignità e del rispetto della diversità culturale, questione maltrattata dal mondo occidentale, e al centro delle riflessioni odierne.

Nobilissime intenzioni, direte voi, ma una lettera aperta e di protesta, pubblicata l’estate scorsa sul quotidiano Le Devoir e firmata da 18 artisti nativi canadesi, denuncia il progetto, a causa dell’assenza di questi, i protagonisti della storia, dalla produzione teatrale. Si ribellano a che, ancora una volta, ci si arroghi il diritto di esprimersi in loro nome, invece di dar loro diritto di parola. Ma qual è il confine tra l’appropriazione culturale, come continuazione di un atteggiamento colonizzatore, e la consapevolezza della possibilità di dare con il teatro un respiro universale alle storie locali?

Così, il 26 luglio 2018 la compagnia Ex Machina annuncia il ritiro di alcuni co-produttori canadesi e cancella il progetto Kanata, per mancanza di fondi. Tutto sembra perduto per Lepage, quando il Théâtre du Soleil fa sapere con un comunicato che non si ritira dal progetto, anzi conferma l’intenzione di accogliere lo spettacolo alla Cartoucherie di Parigi, oltre a ribadire la volontà di collaborare con Lepage, offrendo i propri spazi e attori per l’allestimento della produzione. E mettendosi subito alla ricerca di altri fondi.

Quale migliore occasione di accettare la sfida di cui parla il titolo, per una compagnia il cui percorso si caratterizza con il costante interrogarsi sul ruolo del teatro e sulla sua capacità di rappresentare l’epoca attuale?

La compagnia francese decide quindi di assumersi in pieno la controversia canadese, e la affronta, nell’intento di dimostrare la legittimità in teatro del rappresentare l’altro. Non tanto per parlare al posto di qualcuno, quanto e proprio per parlare di qualcun altro, far luce sulla sua storia. E lo spettacolo riparte dal controverso fatto di cronaca di un serial killer che nel 2000 ha ucciso, nella zona di Vancouver, 49 donne amerindie provenienti dagli ambienti urbani più degradati. Chi ha il diritto di parlarne?

Ariane Mnouchkine e Robert Lepage, accettando la collaborazione, si trovano di fronte a una nuova difficile prova, entrambi per la prima volta: lei per la prima volta in cinquantaquattr’anni di carriera, cede la regia di un progetto a qualcun altro, lui, per la prima volta si trova a dirigere un numero così grande di attori che non sono i suoi. Sono coinvolti nell’impresa trentadue attori del Théâtre du Soleil.

La storia prende il via da un commissario d’esposizione che vuole selezionare alcuni quadri dipinti dai nativi per una grande esposizione parigina, per proseguire con un pittore e un’attrice installati a Vancouver che si ritrovano a contatto con la realtà urbana degli amerindi e con un delitto che fa parte della serie controversa di femminicidi.

Gli spazi, continuamente ridisegnati, sono protagonisti assoluti della storia insieme agli attori e alle attrici che li animano. La scenografia è portentosa ed è realizzata da una numerosa equipe: oltre che dagli attori del Soleil, come sappiamo dalle precedenti produzioni grandi esperti di scenografie mobili, c’è qui la collaborazione degli allievi tecnici dei mestieri di spettacolo di un Liceo Professionale di Parigi e di quelli dell’École nationale supérieure des Arts Décoratifs.

Sul palco un’enorme vetrata mostra il panorama di una città canadese, che si trasforma secondo la luce del giorno e della notte, grazie alla sapiente proiezione video di cui Lepage è maestro. In scena, sempre a vista, tutto si muove, e grosse scatole di legno si aprono e chiudono per ricreare in pochi istanti una serie di ambienti: un appartamento di città, un ufficio dell’assistenza sociale, una roulotte in campagna dove il serial killer alleva maiali, un orso percorre tranquillo la scena urbana, una foresta di grandi alberi distrutta a colpi di seghe elettriche, fino alla bellissima scena della piroga, sospesa a mezz’aria in un orizzonte rovesciato, nella quale gli attori, quasi in apnea, si fanno cullare da onde immaginarie, e il pubblico riprende fiato, dopo l’orrore a cui ha assistito.

Il regista, in un’intervista rilasciata a Mélanie Drouère, spiega che per più di due anni ha invitato gli attori della Mnouchkine, con appuntamenti saltuari di una o due settimane, a immergersi nel paesaggio e nella storia dell’ovest canadese. Ed ecco la variopinta troupe di attori ritrovarsi a volte al chiuso della Caserne, dal 1997 il Centre de Création d’Ex-Machina a Québec, a volte ad Alberta, in mezzo alle montagne Rocciose, per incontrare nei grandi paesaggi canadesi i Capi dei nativi americani. O volare a Vancouver, per comprendere la problematica dei nativi nelle zone urbane, in un’immersione nel presente e passato delle storie di queste popolazioni, che sono state sconfitte dalla grande Storia. Sapendo che, nel continente americano, popoli come questi sono centinaia e centinaia, con lingue, territori, mitologie ben distinte ma con un comune destino di cancellazione delle proprie radici.

Quello che ne deriva, e che è incredibilmente evidente alla visione dello spettacolo, è che gli attori del Soleil, anche se non di origine Iroqui, in quanto provenienti da ogni parte della terra (tra di loro anche rifugiati afgani, australiani, sudamericani, una ventina di diverse nazionalità) riescono a dare a questa pièce un carattere assolutamente universale.

Si esce così dai meravigliosi spazi della Cartoucherie con la sensazione che le vicissitudini drammatiche di un piccolo popolo si riflettano in quelle di tutti gli altri dannati della Terra. E di aver appreso come si è compiuto il lungo e silenzioso processo di umiliazione e annientamento di un intero popolo, cancellato dalla storia del Canada.

Oltre alla convinzione di aver assistito a buon teatro, quello che non trascura la forma e che, proprio per il suo rigore estetico si rivela profondamente politico. Perché raccontare la storia di qualcuno, dopo averne assorbiti i paesaggi, ascoltato le storie e vissuto le emozioni, ricreandole in scena con lavoro paziente, va a tutto vantaggio della causa rivendicata dai nativi stessi nella lettera di protesta dell’estate 2018.

Con grande scorno dei co-produttori canadesi che hanno rinunciato al progetto.

Kanata, épisode I – La Controverse

regia di Robert Lepage, in scena dal 15 dicembre al 31 marzo 2019 alla Cartoucherie di Parigi, con 32 attori del Théâtre du Soleil.

Una produzione del Théâtre du Soleil in co-produzione con il Festival d’Automne à Paris 2018, il Napoli Teatro Festival e Printemps des Comédiens di Montpellier.

Durata 2 ore e 30 minuti.

Spettacolo visto il 3 febbraio 2019 alla Cartoucherie di Parigi

Out of order

Valentina Valentini

Il tema del libro affronta una tematica complessa e molto discussa, quella del rapporto tra Corpo e Spettacolo e testimonia, con i suoi molteplici esempi, utili riflessioni per confrontarsi con il cambiamento in corso. Gli autori di questi nove saggi - alcuni giovani ricercatori italiani e francesi, e altri più maturi docenti di spettacolo - sciorinano una serie di esempi di “corpi famosi” di attori e artisti di ieri e di oggi, e ne analizzano i percorsi esistenziali, con particolare attenzione per la relazione tra arte e vita.

Gli artisti di cui si parla appartengono a diverse generazioni e provenienze: Pippo Del Bono, Antonio Rezza, ma anche Michael Jackson e i Pink Floyd, Tadeusz Kantor, Antonin Artaud, Samuel Beckett, insieme all’analisi delle opere di Robert LePage e Steve Marc Quinn. Il disegno complessivo che ne emerge, quanto mai ricco di contaminazioni e suggestioni, è capace di produrre riflessioni irrituali e transdisciplinari, e di far affiorare nel lettore pensieri inattesi e non banali su una questione a lungo dibattuta: ha ancora senso la ricerca di un canone per definire quel Corpo perfetto dell’artista che, con apposito lungo lavoro di training psico-fisico, sappia agire la scena?

Nel libro, invece di rispondere ai canoni della rappresentazione odierna con esempi di Corpi allenati e superiori – si descrive l’articolata e complessa realtà di corpi diversi che abitano le diverse scene. Da corpi allenati a corpi alienati, nel significato inglese di stranieri e diversi. Si parla del corpo attraversato dalla scrittura di Antonin Artaud ormai prossimo alla morte, che incarna in fondo nel suo corpo tutte le tensioni che hanno attraversato il teatro del suo tempo, fino a morirne, facendo di questo suo corpo lo spazio del suo ultimo teatro (Maia Giacobbe Borelli), di narrazioni televisive che hanno come protagonista il Dr House, il medico che, mentre sfianca il suo corpo, usa i corpi malati per una sua personale battaglia contro il Male (Luigi Avantaggiato), di un altro corpo-teatro, quello dell’attore Antonio Rezza, fatto a pezzi dalle scenografie di Flavia Mastrella, e del suo modo particolare di scatenare reazioni fisiche nei suoi spettatori, e di fare del teatro uno spazio di condivisione profondissima di energie e di emozioni (Paola Quarenghi), del corpo umiliato e denudato di Pippo Del Bono e del suo Bobo (Suzanne Fernandez), di corpi reali dei giocatori che vivono nei videogiochi come in mondi paralleli, con tutta la loro partecipazione emotiva (Marco Andreoli), dei Pink Floyd, grandioso corpo musicale, macchina scenica creata per nascondere i corpi (Gianni Pingue), per tornare alla narrazione, alla scena vuota, carica di immagini ritrovate e proiettate, dove risuonano le voci degli attori di Robert LePage nello spettacolo teatrale Lipsynch (Antonella Ottai).

Un esempio lampante di questa fusione biografica tra l’uomo e il suo spettacolo è descritto nel saggio che illustra la traiettoria mitica e disperata di Michael Jackson, analizza il suo corpo sfiancato e sbiancato, ridotto già a spettro sulla scena dei suoi ultimi spettacoli, corpo mostruoso destinato al sacrificio, come un solitario Minotauro, perso nel labirinto da lui stesso costruito (Katia Ippaso). Ma cosa hanno in comune gli artisti di ieri e di oggi, raccontati nella stessa raccolta, pur così lontani tra loro? Probabilmente il loro stare tra due o più mondi in modo non più oppositivo: in bilico tra il mondo dell’azione fisica e quello della scrittura, tra il testo e l’attore che lo incarna, ma anche tra natura e tecnologia, tra azione e percezione, in un percorso di ibridazione sempre più spinta tra elementi che in altri tempi erano considerati come assolutamente inconciliabili.

Un altro elemento emerge dalla visione complessiva proposta dal libro: tanto più lo spettacolo, grazie ai nuovi media, cerca strade tecnologicamente avanzate, quanto più appare evidente e necessario il suo scopo principale, la relazione tra l’attore e lo spettatore, attraverso un rapporto emotivo tra i due, fisico e mentale insieme, che entra a far parte a pieno titolo della scrittura scenica. Che peso ha in questa relazione la storia personale? Questi artisti, scavalcando i propri personaggi, vengono incontro agli spettatori, attraverso la verità tragica dei propri corpi. Cito dal libro: Il corpo dell’attore è da sempre al centro dello spettacolo, ma cosa succede quando, sullo schermo e in scena, al cinema al teatro ma anche in tv o ai concerti, la narrazione sostituisce al corpo i suoni e le immagini prodotti dalle nuove tecnologie? Sfuma ogni distinzione tra corpo materiale e virtuale, e davanti agli occhi dello spettatore scorrono visioni di corpi invivibili, svuotati, martoriati, eppure vibranti di energia.

L’aspetto più interessante del libro è nel suo vagare apparentemente casuale nel tempo e nello spazio, tra arti diverse, mettendo in relazione personaggi dell’altro secolo - grandi maestri, come il sempre luminoso Antonin Artaud, il grande artista polacco, Tadeusz Kantor, e l’altrettanto immortale Samuel Beckett - al localissimo Antonio Rezza, odierno giullare dello sberleffo e del nonsense, passando dal visivo delle arti, della televisione e dei videgiochi al sonoro musicale e teatrale, ricostruendo storie, vicende, atmosfere diverse, parti frammentarie di una stessa inchiesta indiziaria sul rapporto tra i corpi e le arti nel contemporaneo. I libro non parla direttamente e semplicemente dei corpi come strumento primo di lavoro degli attori e degli artisti, bensì della loro sparizione dalle scene, e ne cerca le tracce in quei corpi virtuali, narrati nei serial e nei videogiochi e maltrattati sulla scena artistica, ovvero di quello che resta del corpo nello spettacolo contemporaneo, come recita il sottotitolo.

Interessante quesito, dopo il passaggio negli studi teatrali del pensiero sui Cso «corpi senza organi» e le apparizioni degli spettri, intravisti dai filosofi francesi che li hanno teorizzati proprio prendendo spunto da personaggi cardine della scena teatrale come Artaud e Amleto. Ogni saggio mette quindi al centro i corpi e li declina in modi vari e inaspettati, proponendo riflessioni che risultano come una serie di frammenti; solo alla fine della lettura emergono in modo evidente alcune connessioni, utili a rivelare come ogni discorso, analizzando aspetti diversi, faccia parte di un unico grande disegno: quello che vede il passaggio dal Corpo (con la maiuscola) dell’attore santo o biomeccanico delle avanguardie teatrali di ieri ai molteplici corpi di oggi, e l’abbandono della ricerca di uno Spettacolo che cambierà la vita del suo spettatore.

Il tutto è presentato sotto l’egida di Évelyne Grossman, curatrice delle opere di Antonin Artaud per l’editore Gallimard, che si interroga sui danni che le nuove tecnologie hanno apportato alla psiche dei nostri giovani. Nella sua prefazione le ipotesi che il libro rilancia e che riguardano lo spettacolo diventano facilmente applicabili alla realtà dei corpi fuori scena: un corpo svuotato dagli affetti è un corpo che non risponde alle sollecitazioni dell’arte, così il corpo virtuale che, nello spettacolo contemporaneo è spesso rappresentato come frantumato, svuotato dalle emozioni, disperato, sfiancato, si rivela lo specchio fedele dei corpi reali degli stessi suoi spettatori. Così il discorso si allarga ad uno scenario ancora più interessante, quello dei corpi invivibili nel mondo reale...

IL LIBRO
Out of order. Quel che resta del corpo nello spettacolo contemporaneo
Maia Giacobbe Borelli (a cura di) con una prefazione di Évelyne Grossman
Autori: Marco Andreoli, Luigi Avantaggiato, Suzanne Fernandez, Maia G. Borelli, Guillaume Gesvret, Katia Ippaso, Antonella Ottai, Gianni Pingue e Paola Quarenghi
Bulzoni (2012), pp. 250
€ 20,00